Fotos de Enemies of Art

Nosotros no hemos podido ir a Londres estos días para estar en la inauguración (19-04-2011) de The Enemies of Art, pero sí hemos recibido fotos de mi primo Martiño, que vive allí.

Estas son algunas fotos de Lauderdale House (y su entorno incomparable) y la exposición en la que participamos con otros 50 artistas stuckistas de todo el mundo:

 

Mi obra para "Enemies of Art"

Esta es la obra que finalmente envío a la exposición "The Enemies of Art" que se inaugura el día 19 en Londres. Se titula "This is not art/This is art". Son dos dibujos sobre cartón fallero, con tinta china y acrílico, de 52x76 cm cada uno.

El superior presenta un paisaje de lo que se ve desde mi ventana; un jacarandá justo al pie de mi casa, y los edificios que rodean al parque junto al colegio de mi hijo José aquí en Málaga. Lleva la leyenda "This is not art" (esto no es arte).

El inferior es una copia de un "dibujo" de Richard Serra, ese "gran maestro". Y por supuesto, la leyenda "This is art" (esto es arte).

He puesto aquí una imagen (de la parte de arriba sólo, lo siento por Richard) para poder ver esto en alta resolución:

Descartando la vanguardia

Nuestro amigo Mariano, Mariano Casas, pintor, que coincidió con nosotros en Pontevedra en los primeros tiempos de la Facultad de Bellas Artes, reinaugura su blog.

Si yo no fuese también artista y no tuviese este ego tan subido que nos caracteriza, Mariano sería mi ídolo. Pero por ser las cosas como son, simplemente le tengo mucha envidia. Hace cómics, pinta, rueda cortos, y lo peor de todo: escribe muy bien. Poca gente conozco con su capacidad de síntesis: lo que a mí me lleva dos páginas y no termino de explicar, el lo dice en dos líneas elegantes.

En su entrada ¿Qué ha pasado?, que os recomiendo leer, reflexiona sobre el lugar del artista en el panorama del arte actual con una perspectiva histórica, replanteándose la vanguardia.
Estaba pensando en el párrafo final:
"y aceptar que nos hemos metido en una camino sin salida, del que la única salida es dar marcha atrás?..."

Realmente, opino con Mariano que nos hemos metido en un camino sin salida, y que hay que dar marcha atrás, pero creo que la realidad es muy compleja y cuesta desenmarañar lo que ha ocurrido.

Pienso que el gran éxito de Picasso y en general de los vanguardistas, arrastraron por ese camino a muchos, entre los cuales había una cantidad importante de caraduras, arribistas y trepas de todas clases. Algo de esto se puede extraer del libro La Palabra Pintada de Tom Wolfe.

Los vanguardistas, al menos en un comienzo, fueron sinceros y creían de veras que la contaminación de las formas con lo exótico, lo onírico o lo primitivo podría renovar el arte europeo, lastrado por una tradición demasiado acartonada e influida por la literatura, estancado en sus formas, etc.

Pero resultó que la consagración definitiva de la subjetividad en la valoración del arte permitió que dejara de ser posible distinguir el grano de la paja, se abrió el camino al "todo vale". Si bien esto es de por sí grave, benefició a multitud de artistas a los que una mayor exigencia técnica les habría impedido abrirse camino, por lo que dentro de los grupos vanguardistas se toleró la relajación en la crítica. Cada mecenas, cada inversor de la época -muchos de ellos multimillonarios norteamericanos- se vio arropado por una pléyade de críticos de arte nunca antes conocidos, intelectuales de salón y artistas bohemios que certificaban el valor de la obra comprada.

Cuando se consagraron los vanguardistas de las primeras hornadas, como Picasso, Matisse, Dalí, etc... las generaciones posteriores en parte quisieron continuar su legado por pura admiración, pero también por interés. Se consagró la idea de que el arte era vanguardista o no era arte. Ya en época tan temprana como los años 30-40 algunos artistas optaron por continuar una carrera al margen de las vanguardias, como por ejemplo Balthus. En realidad incluso Picasso tuvo una etapa clásica, que coincide con la neoclásica de músicos como Stravinsky, y que suponía una "vuelta al orden", presente entre los años 20 y 40 en muchos artistas de la época.

Nace un movimiento artístico bastante despreciado, pero de gran influencia, el realismo socialista o social, con grandes artistas como Renato Guttuso, Ben Shahn... y que es muy cercano a la pintura de Balthus, el primer Freud... con paralelismos importantes en la ya mencionada reacción neoclásica de muchos músicos, en la poesía social, el neorealismo en cine, etc.

Este movimiento nace de la necesidad de hacer un arte moderno pero que la gente pueda entender: un arte cercano al pueblo sin dejar de tener calidad y recogiendo lo mejor de los avances vanguardistas -entendiendo como vanguardia incluso la revolución impresionista- pero sin atarse a un manifiesto teórico, sin renunciar al oficio.

No obstante, la guerra fría por una parte, y muy probablemente los intereses económicos del naciente mercado del arte vanguardista, que florecía en el país de los dólares, hicieron nacer la necesidad de perpetuar la vanguardia -a la que el nuevo realismo ya estaba dando carpetazo- y revitalizarla. Nace el expresionismo abstracto como invención de los críticos americanos, que buscan un movimiento de vanguardia nacional, y luego se apropian del pop inglés -muy cercano al realismo socialista, a la pintura de Freud, Hockney, Kitaj y con antecedentes en la pintura del grupo Kitchen Sink School... hasta llegar a la eclosión de movimientos artísticos neodadaístas de los años 60 norteamericanos (conceptualismo, minimal, land-art, body-art...).

De nuevo un enjambre de espabilados se acoplan al invento de la vanguardia, que en esta ocasión parte de EEUU y no de Francia, Italia... por todas partes aparecen réplicas de los movimientos americanos, como Fluxus en Europa, al que pertenece Beuys, Arte Povera en Italia, o en España los Millares, Tàpies, etc, que el Régimen franquista utiliza para lavarse la cara presentando una apariencia de modernidad.

No obstante, en muchos artistas cuaja la idea de un arte más accesible y de hecho muchos se forman artísticamente con seguidores del realismo social o el pop de origen inglés, tan cercanos estéticamente. En la tradición transmitida por esta hornada de pintores, está el recuerdo de la vanguardia, sobre todo por los dos movimientos que más han provocado revoluciones conceptuales y técnicas en pintura: impresionismo y expresionismo, con elementos sueltos de otros como surrealismo o cubismo.

Muchos de estos artistas de generaciones post-vanguardistas incluyen enseñanzas vanguardistas en su acervo artístico. Pero en lugar de seguir la moda del momento, la vanguardia oficial generada en EEUU, o alguna de las vanguardias históricas con un desfase de varias décadas, simplemente pintan a su estilo personal.

Son pintores que sólo tienen un éxito local, aunque notable, como Segura Torrella en Ferrol, que sin seguir ninguna vanguardia en concreto, pinta de una manera indudablemente moderna. Influencias de pintores muchas veces del expresionismo o el impresionismo -en el caso de Segura Torrella, influencia clara de Kokoschka- y que ejercen una gran influencia en su entorno.

Otros en cambio, siguiendo los dictados de la moda imperante, de los movimientos artificiales del arte oficial, consiguen gran éxito, sin importarles dar grandes saltos estilísticos de la noche a la mañana para pasar, como es el caso de Tàpies, de una pintura deudora del surrealismo al informalismo pleno, con el beneplácito de la sección cultural del gobierno franquista.

Siento que ha habido dos historias del arte paralelas en el siglo XX: la natural, consistente en:

impresionismo - modernismo - vanguardias históricas - realismo social - escuela de londres - neoexpresionismos/neorealismos actuales

y otra artificial, que es la que nos cuentan los libros:

postimpresionismo - vanguardias históricas - expresionismo abstracto - pop - vanguardias de los 60 - arte contemporáneo

Todo esto sin olvidar el extremo en la reacción antivanguardista, provocada en último término por la explosión conceptualista de los 60 hasta ahora, y que consiste en el rechazo de toda enseñanza vanguardista -incluida la revolución impresionista- que defiende el academicismo más absoluto: los neoacademicistas de artrenewal.org.

Últimamente también ha habido un enfrentamiento antivanguardista en Gran Bretaña, que quiere recuperar las enseñanzas de la escuela de Londres, el pop inglés y la pintura social: el movimiento stuckista, en auge.

No obstante, y pese a que hay ya muchos síntomas del agotamiento -nuevamente- del modelo vanguardista de arte, todavía se siguen aceptando su discurso y sus mitos, llegando a consagrar como genios a sus gurús en museos y fundaciones. Pero se impone no sólo una renovación, sino una revisión total de la importancia de la vanguardia. Yo creo que se debería separar el grano de la paja, y descartar la vanguardia como motor del arte del siglo XX en su segunda mitad. La vitalidad creadora, la mayor parte de producción y la mayor parte de la influencia estética y técnica no están, pese a los ríos de tinta que se han vertido, en la tendencia vanguardista, sino en la otra línea, más unida al público.

Cierto que desde la crítica pro-vanguardista se ha querido desprestigiar la tendencia contraria mezclándola con la pintura amateur o "dominguera", haciendo ver que son la misma cosa... pero nada más lejos de la realidad. Los pintores de mayor éxito hoy día no son vanguardistas: Hockney, Freud, Kitaj, Antonio López...

Realismos: juntos pero no revueltos

Afortunadamente el panorama de las artes plásticas hoy en día es algo más esperanzador que hace una década.

En la época en que estaba terminando mis estudios bellartísticos, todavía la miopía artística aquejaba a la opinión generalizada. Sólo era arte el oficial, el de ARCO y Guggenheim, es decir, los botes de mierda enlatada y las compresas en el medio ambiente. Muy poéticos, eso sí.

Los que hacíamos otra cosa, cualquier otra cosa, desde horribles paisajitos copiados de foto hasta magníficos desnudos del natural, grandes murales cubistas... éramos parte de la infecta raza de los domingueros o aficionados.

Pero en estos diez años, el público ha ido rechazando cada vez más las cosas poético-mierdoenlatadícas y han tenido que buscar un lugar para Antonio López, porque gustaba cada vez más, y cada vez había más imitadores de sus paredes con mugre y sus vistas de Madrid.

Poco a poco, sin que nadie supiera cómo, se ha ido aceptando en círculos oficiales el realismo. Y de forma muy significativa, el año pasado se organizó en España el I Concurso de Pintura Figurativa.

La iniciativa es sorprendente, magnífica, extraordinariamente ambiciosa... pero por desgracia en el saco de lo "figurativo" se mete todo lo que sea de aspecto fotográfico, excluyendo lo que siendo figurativo, es decir no abstracto o no informal, no tiene aspecto de fotografía. Queda excluida la pintura expresionista, impresionista, simbolista... sólo las superficies pulidas y las pinceladas invisibles tienen lugar en este concurso, como bien puede observarse en su catálogo.

Los estancados (stuckists), o los que no somos aficionados, domingueros o inexpertos, pero que tampoco pertenecemos a la escuela foto-realista, no tenemos lugar, a menos que pasemos por el aro de adaptar nuestra manera de pintar a sus cánones.

Esta exclusión, este apropiarse del término "figurativo" para sus fines, ya es de por sí negativo, pero además en su catálogo acogen cualquier tipo de pintura más o menos foto-realista, sin pararse a diferenciar origen, escuela o tendencia. Y esto es especialmente grave:

1. En el primer premio podemos hallar una pintura de escuela academicista, muy del gusto del Art Renewal Center. Tiene su origen este tipo de pintura en gente descontenta con el arte moderno, aunque son los más extremistas: nada posterior a Cabanel si no es academicista. Relación con la ultravanguardia es de rechazo frontal. ¿Que quién es Cabanel? Pues este.
2. Luego, otros pintores de tendencia realista a imagen y semejanza de Antonio López. Nada que objetar, aunque ya cansa. Su relación con la ultravanguardia es de pura convivencia, son rechazados por los ultras vanguardistas, pero ellos viven y dejan vivir. Su origen, en Velázquez, por ejemplo.
3. Y finalmente formas de pintar en las que la fotografía prevalece con sus aberraciones ópticas incluídas. Su origen, el hiperrealismo de los 60. Plenamente aceptados por los arcoadictos, pues forman parte de la ultravanguardia.

Aunque no sería justo dejar de considerar a los semi-realistas. Que son los que meten una parte de estilo neoacademicista, realista o hiperrealista pero como avergonzados de hacerlo, por lo que tienen que justificarse en su pintura. Formarían la cuarta opción foto-realista, que se podría dividir en:

1. Ilustradores-de-Revista-Científica. Construyen mundos extraños en estilo realista-rígido, como queriendo ilustrar sus ideas alucinantemente originales. Pueden acercarse a veces a una especie de Neo-magrittismo.
   
2. Desnudos-con-fondo-de-manchones. Para que no se les acuse de academicistas o hiperrealistas, o seguidores de Antoñito, introducen fondos llenos de pinceladas o manchones, así se ve que lo suyo es pintura y no foto. A veces usan convincentes trompe-l'oeil pero con su brochazo que medio los tapa.
3. Desnudos-en-cuadraditos. Meten sus figuras en un trozo de lienzo o tabla -mejor tabla- con cuadraditos a los lados de color plano o con jaspeados. Quieren demostrar que son muy modernos, y que si pintan cosas foto-realistas es sólo por exigencias del guión.

En general estos últimos estilos probablemente parten de una mezcla entre tradición y vanguardia. Son pintores que se forman en el clasicismo pero no quieren ser rechazados por las galerías de vanguardia, por lo que intentan esconder su clasicismo con diferentes artificios.

A mí, generalizando, no me gusta este tipo de pintura. Porque la veo falsa. Ciertamente en el catálogo hay obras notables, y no se puede generalizar sin cometer injusticias. Aclaro esto de antemano, pero creo que en general la mayoría de los cuadros de estos estilos tan pulidos adolecen de algunos defectos que justifican la crítica de los conceptuadictos -amantes de mierda enlatada o de arte oficial, que es lo mismo-. Pero por diferentes razones. Me explico:

Los conceptuadictos critican de esta pintura su virtuosismo. Pero ¿qué tiene de malo? Durero, Miguel Ángel, Ingres, Cézanne, Picasso, Lucian Freud... cada uno en su época y su estilo han sido virtuosos. Porque la dedicación al trabajo da sus frutos, y máxime cuando a ello se dedica una mente excepcional, y una sensibilidad privilegiada. Antonio López es virtuoso, y eso hace que muchos lo admiremos.

Pero la pintura de estos estilos foto-realistas actuales suele ser fría, virtuosa, sí, pero sin alma. Ni en los pintores de desnudos con manchones hallamos nada en el cuadro que no sea calculado siguiendo unas normas y con pasos predecibles. En esto se parecen todos, neo-academicistas, neo-realistas y neo-hiperrealistas. Hasta los del lote de la cuarta opción. Les falta esa vibración de vida que distingue ya de lejos un cuadro de Antonio López de los de sus imitadores, por más mierda que se esfuercen en esparcir por las paredes.

Al final, todos los autodenominados figurativos producen un arte tan falso, tan frío como una instalación del Guggenheim. Un arte ingenioso, bien presentado, bien defendido, pero afectado, engolado, feo, cursi, sin gracia.

Creo que la oficialidad está en decadencia. No hay chispa, no hay genio, no hay calor... y con tanto espacio vacío minimalista, con tanta corrección y tanto ingenio, con tanta degustación de nueva cocina... uno echa de menos en arte el bocadillo de chorizo.

Artistas al margen del arte de su tiempo

Todo el mundo, pero todo, supone que "el" arte contemporáneo es sólo lo que sale en la Bienal de Venecia, en la Documenta de Kassel, en ARCO, etc. Ese tipo de "arte" es lo único que se suele entender como "arte contemporáneo". Cualquiera que NO haga eso está condenado a ser considerado como anticuado, desfasado, reaccionario, académico, dominguero o como mucho "raro", o "que va a su bola". Se excluye a los que no quieren hacer ese tipo de cosas del catálogo de artistas contemporáneos. Incluso del catálogo de artistas en general.

Cuando no queda más remedio que reconocer la calidad, con autores como Hopper, Balthus, Antonio López, Tamara de Lempicka, Lucian Freud, etc, se dice que son excepciones, que llevan una carrera independiente, que están al margen del arte de su tiempo.

Desde mi punto de vista no es en absoluto así.

Yo me he formado con un pintor de mi ciudad, Ricardo Segura Torrella, que a su vez se formó con Felipe Bello Piñeiro, que a su vez... si se sigue la genealogía llegamos a la pintura barroca y no ha habido desde el siglo XVII -o antes- ninguna ruptura en ese hilo. Lo mismo ocurre con Antonio López, lo mismo ocurre con Freud, con
Balthus, con Hopper... no somos "casos aislados". Aprender de otros pintores es lo normal cuando uno se dedica a la pintura. Hay una continuidad, hay una evolución, y una tradición viva que no es ni mucho menos extraña, rara, antigua, o "a su bola".

El que los de Stuckism estén siendo reconocidos y abran el campo a la figuración no académica, no realista, es una muy buena noticia, que al menos yo llevaba esperando desde hace más de quince años. Demuestra la vitalidad de la pintura y que en el fondo todo esto de la vanguardia neo-neo-neo-neo-dadaísta es un bluff, una mentira más de nuestra sociedad. ¿Que por qué digo esto? Porque aunque a muchos les parezca que no, la neo-neo-neo-neo-vanguardia es excluyente, y mucho:

• Primero, porque niega la artisticidad y la contemporaneidad de lo que no es neo-neo-neo-neo-vanguardista.


• Y segundo porque basa su existencia en la suplantación del arte tradicional. Usa sus canales, sus nombres, sus categorías, su tradición, su mercado... a pesar de que sus postulados son anti-artísticos, porque introducir a Kosuth junto a Velázquez exige una reescritura de la historia del arte, de la estética, de... y en esa redefinición no hay vuelta atrás. Se supone que ha habido un cambio profundo y ahora eso tiene lugar, porque se sustituye la función tradicional del arte por una diferente, que supone entender como arte a la mera idea, al juego tautológico...

Utilizando los argumentos estéticos que permiten adoptar a Kosuth, deja de tener sentido el pintar para crear belleza, o para expresar algo mediante formas y colores. Se supone que se da una vuelta de tuerca más, muy intelectual, y ahora incluso hacer reflexionar al público es ya una acción artística.

Es una impostura más, de las muchas con los que tenemos que comulgar hoy en día, a todas horas. Como la exagerada importancia de la moda, las pseudociencias, los libros de autoayuda, lo políticamente correcto, etc...

Siento que tengo que denunciar la impostura, escapar de eso y luchar contra eso.

Porque los neo-neo-neo-neo-vanguardistas venden mierda enlatada a precio de oro, pero en cambio yo tengo que soportar, para sobrevivir, que mis pinceladas, mis preciosas horas de estudio, mi sensibilidad, mi intento de ser auténtico y mejorar, mi amor en una palabra al arte y la consagración de mi vida a esa profesión y al paciente trabajo de mejora continua sean menospreciadas. Debo tener en mente otro trabajo si quiero vivir decentemente. Me obligan a resignarme a ello. Sólo porque lo que les mola a los que ven los brocados en el traje nuevo del emperador es la mierda enlatada por un señor que se pone muy serio cuando balbucea no se qué que suena muy trascendente.

Es una tomadura de pelo. Creedme. Todo mentira. Y sé que hay gente crédula, buenas personas, que se han dejado adular y defienden eso sin mala fe. Pero el arte no es eso. Se le parece sólo, pero "eso" es simple mística. El arte es mucho más intenso, es mucho más vivo, mucho más bello. No es un placer intelectual solamente, es un placer completo, animal, casi sexual. Y del mismo modo que el sexo no se puede explicar, del mismo modo que el sexo hay que vivirlo plenamente para saber en qué consiste, el arte no es algo que se pueda reducir a unos discursos ingeniosos poniendo cara de entenderlos, como hace esta gente.