¡Elisa!

Más fotos aquí

Todo a punto

Hoy Carmen se ha hecho el cuadro correspondiente a los nueve meses de su propio embarazo. Ya está todo a punto, esperamos el parto en pocos días, y ya estamos apurando los últimos preparativos. Aquí os traemos la serie de cuadros que Carmen ha hecho de los meses 6, 7, 8 y 9 del embarazo.





Hoy he estado con ella un ratito mientras se autorretrataba, y con mi móvil nuevo (Nokia 5800 XM, con el que he hecho también estas fotos), usando el programa XpressSketch he hecho este dibujito de la escena:

Lógica interna

Estos días ha habido un debate más que interesante en el blog de nuestro amigo Dimo García (Apuntes Críticos). En él hablábamos de los pintores de Art Renewal Center, representantes norteamericanos del neoacademicismo figurativo, que miran hacia la pintura académica del siglo XIX. Os recomiendo la lectura del debate, además del artículo sobre Warhol, que es el tema inicial.

A mí, por lo general, la web Art Renewal me produce una sensación agridulce. Por una parte me gusta ese amor a la técnica, pues sin un amor a los materiales y la técnica el gran arte no puede existir. Pero por otra parte me parece que los artistas actuales del Art Renewal pecan de ser más papistas que el Papa, de encerrarse demasiado en una manera de pintar y una forma de enfocar los temas, es decir, de obsesionarse con un estilo concreto. Hasta hace poco, de hecho, no estaba en su galería virtual (sección Museum) ninguno de los impresionistas, ni Picasso, ni artistas actuales como Lucian Freud, que para mí es uno de los grandes de todos los tiempos. En general las críticas que a los académicos del siglo XIX ha hecho Van Gogh o modernamente Hockney, me parecen atinadas, pues opino que los academicistas sacrifican verdad pictórica en aras del tema. Pero bueno, entiendo que gusten y de hecho comparto con los Art Renewal la admiración por Holbein, Ingres, Millais, Sir Lawrence Alma-Tadema, A. M. Mucha, etc...  Precisamente en su web, y demostrando gran generosidad, los Art Renewal han organizado un "museo" virtual en el que se pueden admirar obras de todos estos pintores -y más- en alta resolución.

A mí me parece que el estilo no es algo importante en arte. De hecho creo que los males del arte en parte vienen de esa obsesión por lograr un estilo, primero de grupo (con las vanguardias del XIX y XX) y luego personal (con las vanguardias posteriores a la II Guerra Mundial). Como el Manifiesto Hartista dice, lo importante es pintar "con estilo", es decir, bien, y no "en un estilo". No creo que haya un estilo superior a otro (hablo del arte, no del conceptualismo, que es otra actividad) y algunos artistas como Klimt, Mucha, Picasso o Hockney han demostrado que es posible modificar el aspecto exterior de la obra (su "estilo") sin que deje de reconocerse la autoría o disminuya la calidad. Creo, modestamente, que cuando uno comienza un dibujo, un cuadro, una ilustración, etc, empieza a marcar unas maneras, unas reglas que regirán en esa obra y que van marcando su lógica interna. El contradecir esa lógica es difícil, y casi siempre da lugar a obras fallidas. Es lo que le pasa a Malevich en sus cuadros figurativos, resultan incoherentes.

Por poner un ejemplo, si uno va a hacer un apunte rápido de un perro (vivo) del natural, es estúpido intentar hacer un trabajo de precisión, porque el animal difícilmente va a estarse quieto. La lógica interna de un apunte rápido lleva hacia el esbozo no muy detallado -salvo en partes pequeñas- y suele quedar bien así. Lo que se pierde en precisión se gana en visión de conjunto, expresión del movimiento, estudio de las formas, anatomía... Nada impide hacer cientos de apuntes rápidos hasta tener en el cerebro la idea completa del perro y luego ya podría pintarse con detalle, incluso aunque el perro ya no esté delante. Otro ejemplo, un cuadro realista-naturalista muy acabado exige paciencia. No puede pintarse en una sola sesión y a toda velocidad. La perspectiva debe dominarse, así como la composición. No está de más hacer bocetos previos, ni está fuera de lugar trazar líneas auxiliares (como puntos y líneas de fuga) si es preciso... pero si el cuadro va a ser figurativo-expresionista, el trazar con una regla líneas de perspectiva suele dar mal resultado, pues la gracia de esa clase de pintura es que todo se hace "a ojo", de forma natural. No tiene sentido buscarle fallos de perspectiva o iluminación a Beckmann, o a Van Gogh por ejemplo. Además, la perspectiva "natural", hecha a ojo, resulta a veces más convincente para nuestra percepción que la trazada con regla según una proyección cónica exacta. Y en cuanto a los acabados, la precisión de un Freud, o el equilbrio cromático de un Cézanne, que también están hechos "a ojo", se logra tan sólo por la práctica acumulada durante años de oficio y el trabajo de muchas horas sobre el mismo cuadro, corrigiendo, matizando...



Y volviendo al debate, pienso que no se debe perder la conexión con el público -recordemos la historia del pintor griego que se escondía tras su obra para oír al público y dio lugar a la expresión "zapatero, a tus zapatos"- pero también se debe ser sincero, no vale de nada pintar un cuadro que no te convence, sea por el tema, por el acabado o cualquier otra cosa sólo porque te da la impresión de que eso es lo que quiere el público o pensando que "debería pintarse así para estar bien".

Curiosamente hoy he leído esta entrevista a Daniel Monzón, el triunfador de los Premios Goya de este año, ¡y viene a decir lo mismo que yo! ¡Qué a gusto me quedo!

Quizá no es coincidencia entre grandes genios de la historia ;), sino que todo esto es más obvio de lo que parece. Lo que no entiendo es que los del cine lo tengan tan claro y los pintores aún estemos con eso de ser originales y tener estilillo.

En fin. Supongo que tardaré tiempo en volver a actualizar este blog. Os pido disculpas.

Dibujos de Warhol en una galería de Nueva York

El dibujo suele mostrarnos lo más íntimo de un artista. Conociendo la desnudez de los dibujos, en los que el artificio, la pompa y la marca registrada casi no cuentan, podemos conocer mejor lo que habita en el interior de la persona que firma los cuadros.

En la galería Paul Kasmin de Nueva York hay ahora mismo una exposición de dibujos de Warhol. El tema son los pies.

Esta exposición creo que permite ver al Warhol que podría haber sido, o quizá el que realmente fue, al menos para sus allegados. Me ha gustado verlo.

Un conceptualista de los que ya no quedan

Hoy, en Facebook, Sapoconcho Galego me pidió opinión sobre este vídeo:

En muchas cosas de las que el "artista" dice estoy de acuerdo, coincido. Pero no en otras. No creo en el arte conceptual, para empezar, ni creo que todos somos artistas en potencia, pero me encanta, por ejemplo, eso de "los artistas me la refanfinflan". A mí también. Sigo coincidiendo con muchas cosas: me parece que tiene razón cuando insinúa que el "arte" en lo efímero, lo conceptual, está sólo en cómo se narra (literatura), al menos lo reconoce en parte. Coincido en la denuncia de lo oficial, lo mercantil... pero el camino que Isidoro Valcárcel ha elegido para llevar a cabo su protesta me parece trillado, inútil y sobre todo engañoso. Engañoso para sí mismo en primer lugar y para todos los demás en segundo lugar.

Al menos, como conceptual-creyente parece sincero. Su inicio en el arte fue en una época reivindicativa, en la que los gestos eran muy visibles, y la gente creía sinceramente que los gestos cambiarían el mundo. Hoy en día, en una época en la que el cinismo está tan bien considerado, eso, el ser sincero, hace a este hombre muy, muy respetable. Pero no comparto ni sus gustos ni sus conclusiones, aunque sí su análisis en gran medida. Opino que se ha equivocado, que ha pecado quizá de cándido, como tantos espíritus combativos que se han perdido por el camino.

En resumen, creo que para ser críticos dentro del arte o como artistas frente a la sociedad la inacción (no hacer arte, sino quedarse en el concepto) es inútil. Lo radical, lo efectivo y que puede traer algo de esperanza de que las cosas cambien es ACTUAR. Es decir, HACER arte, desempolvar los pinceles, los cinceles o lo que sea. Pensar, proyectar, idear pero sin HACER luego NADA no ha llevado más que a una crisis sin precedentes y un descrédito total de nuestro mundillo. ¿Que alguien, en lugar de pintar o esculpir quiere hacer teatro, o literatura? ¿Que has estudiado arte pero ves que lo tuyo es la literatura? Pues adelante, pero HAZ ALGO. Porque siempre HACER será más válido y útil que NO HACER, que quedarse pensando mirando a las Batuecas y autoconvencido de que la NADA demuestra ALGO.

Desnudos con tinta china

Ayer, tras una etapa larga de trabajo "escultórico-arquitectónico", o en lenguaje técnico "cemento portland" en el local nuevo, ayer pude pasar un rato dibujando con modelo del natural. Mi mujer estaba auto-retratándose para su serie de tres embarazadas y aproveché...

Elegí tinta china y pincel. La tinta china es un material increíble, da unos negros profundos si está pura, pero diluida permite infinitos tonos en delicadas graduaciones. No me parece raro que la mayor parte de la pintura china sea ejecutada tan sólo con pincel y tinta. Aunque nuestra tinta china y la tinta china de verdad (la de China, en barra) no tienen demasiado que ver, por cierto... 

Recuerdo mi primer contacto con la tinta china, de niño, con los pequeños frascos de Pelikan, que no duraban nada. Luego mi padre compró una botella de un litro de tinta Rotring, y con ella dibujé, con grafos Rotring o plumilla, todos los edificios de Luanho, el país imaginario en el que estuve ocupado toda mi pubertad y juventud, y que un día os presentaré en este blog.

Estos días estuve dibujando con rotuladores, un medio que me gusta también bastante. Pero la tinta china y el pincel...

Algo tendrá la tinta china. Parece que últimamente está de moda, al menos entre varios miembros del Hartismo. Mariano lleva una buena temporada dibujando con tinta china y papeles grandes. Y tanto Carmen como yo hace ya también tiempo que siempre tenemos a mano nuestra botellita de salsa de soja rellena de tinta china.

Calendario 2010 y nuevo nombre de Escola Aberta de Arte

Os presentamos aquí el calendario que dentro de unos días empezaremos a repartir. Incluye ya la nueva dirección de nuestra escuela de arte -aunque todavía no tenemos una fecha definitiva para el traslado- en la que estaremos muy pronto. También refleja el nuevo logotipo y el nuevo nombre: "ESTUDO ABERTO DE ARTE".

Esperamos vuestras opiniones.


Nota: el tamaño definitivo es de 61,5x11 cm, es decir, con unos márgenes algo más estrechos.