Disparar con pólvora del Rey

Os traigo un tesoro, obtenido en un comentario de este blog. Es un extracto del artículo titulado "Ciudadanos Responsables" en el blog de Folken, "Ominosa tufarada de falsedad". El trozo que transcribo queda hacia el final.

El artículo habla de los mecanismos de control del gasto público al que todos podemos tener acceso, por ejemplo desde Internet, aunque no son publicitados adecuadamente. Por ejemplo, la consulta directa a la fiscalía, o el resumen de los Presupuestos Generales del Estado.

Helo aquí:

Me parece genial (de verdad de la buena), que se mantenga el Patrimonio del Estado. Me parece un acierto el expandir la cultura española allende las fronteras, humanas y físicas, usando como punta de lanza el Instituto Cervantes.
La traca llega en cómo se gastan el dinero de los españoles (es decir, dinero que no cae del cielo), los del Museo Reina Sofía dependiente del mentado Ministerio de Cultura. Podría entender -y depende- que comprasen arte, pero no basura posmoderna. Si la mierda posmoderna fuese arte de verdad, no necesitaría de continuas subvenciones para compensar el hecho de que nadie excepto los fatuos petulantes lo consideren como tal, ni estén dispuestos a dar ni un ochavo de peseta. Llámemosle Harte, pues.
Gastarse en 44 fotos y una video instalación 127 000 euros (20080424), me parece un fraude. Gastarse 110 000 euros (2008/0447) en 4 videos de Narkevicius (gafapasta posmoderno) me parece un abuso. Un ciclo de anticine (sic) por 124 000 euros (2008/0755) me parece un despilfarro. 657 000 euros (2008/0772) en una instalación de Meireles -más bien en cualquier instalación- me parece un robo. 329 000 euros (2008/0773) por EXPONER 100 fotos (gtrflgnstrop) de Zoe Leonard me parece un insulto (5 millones de pesetas por foto). Y si sigo no acabo, porque el 90% de licitaciones del ministerio son prescindibles. Algunos salvarían el Dalí que han comprado. No sé, pero sé que en el Reina Sofía podrían exponer mierda de mendigos sin que nadie notase la diferencia con los video montajes antes enumerados, o los no enumerados. Incluso podrían, ya puestos, reducir al mínimo los costes: Si se organizan cada X tiempo concursos de jóvenes talentos en España, y se les da como premio una remuneración y la exposición de su obra, se consigue dar proyección a los novicios y destinas ese dinero ahorrado a otras tareas que ahora puedan ser más necesarias, como investigación básica o dinero para los becarios investigadores. Para que luego digan que no doy ideas.



Por si alguien no lo esperaba, me he dejado el contrato más surrealista para el final.
Desde el Ministerio de Cultura, Museo Reina Sofía, nos llegan 28 (veintiocho) vídeos de uno de los grandes pioneros del Food Art (poner comida en un pedestal de un museo), un artista al que el propio Gúguel describe una de sus obras como una revisión artística en torno a las conexiones existentes entre comida y energía. (...) explora las relaciones entre nutrición, ciencia, ficción y cultura popular desde una perspectiva contemporánea, que analiza la comida no sólo como fuente energética y alimento sagrado, sino también como medicina, consumo e instrumento de control: ANTONIO MIRALDA (Su padre le conocerá). El precio de tamaña obra es de 4,365 millones de euros.


La plataforma da para buscar más de un rato y más de dos. Todo lo expuesto es sólo el gasto en lo que llevamos de año.

"Pa" pasmarse.

¡Gracias por el enlace, Folken!

Miradas Públicas (y 2)

Estos días, entre las gripes, el temporal y el trabajo que se nos había acumulado no he tenido demasiado tiempo para pasear por Ferrol. Lo cierto es que tenía curiosidad por ver las otras cinco "instalaciones" que los "artistas" de Miradas Públicas (ver post anterior) habían instalado en escaparates antes abandonados.

Hoy he podido ver este:


Según ponía en el folleto explicativo, se titula "Sen título/1 - A fogueira das vaidades" y es de un tal Xabier Rosto, licenciado en Bellas Artes en Pontevedra. El texto/manual de instrucciones decía:

"As luces da cidade son cegadoras. Expresións titilantes da velocidade da vida, como unha encarnación posmoderna do Vanitas Vanitatis, a fogueira das vaidades barroca, que Goethe soubo frear a tempo".

(traduzco: "Las luces de la ciudad son cegadoras. Expresiones titilantes de la velocidad de la vida, como una encarnación postmoderna del Vanitas Vanitatis, la hoguera de las vanidades barroca, que Goethe supo frenar a tiempo".)

Yo, por más que repaso el texto, sigo sin entender ni papa. Y me siguen pareciendo luces de navidad, aunque en el folleto dice que es arte contemporáneo.

Será cuestión de "abrir la mente". Pero justo hoy no me apetece mucho, ¡que hace frío!

¡Los Gafapastas han invadido Pontevedra!

Hoy he tenido el placer de recibir en la Escola a un ex-alumno, hoy novicio en Bellas Artes de Pontevedra.

Me ha contado de sus aventuras y desventuras en ese templo del saber, y llegado un momento no me ha quedado más remedio que empezar a reírme.

En general los bellarteros siempre han tenido unas pintas "diferentes", pero el colmo es que ahora hay muchos que para diferenciarse, han adoptado un "look" gafapasta.

Yo, lo de gafapasta lo conocía de La Frikipedia:

http://www.frikipedia.es/friki/Gafapasta

Pero ignoraba que, con la que está cayendo, a sabiendas de que ese "uniforme" se ha convertido en el blanco de tantas y tantas bromas, se siguiera adoptando. De hecho, según parece, llevan gafas de pasta (graduadas o sin cristales) ¡aquellos que NO necesitan llevar gafas! Y luego están las poses: según me contó mi ex-alumno van por ahí parándose a hablar de algo culto con los brazos cruzados, exagerando el gesto. El pelo, a lo Warhol, eso sí.

La primera aparición de este clisé que recuerdo está en la película "Un americano en París", de 1951, cuando aparece el bar de los existencialistas...

¡Abre tu mente!

Cuando oigo esta expresión, precisamente en boca de personas en las que una única neurona se tambalea en un enorme cráneo hueco, no puedo evitar sentir miedo.

"¡Abre tu mente!" se ha convertido en una consigna para los miembros de una secta que paradójicamente hace gala de una tolerancia de la cual carece, pues a todo el que no acepte sus dogmas, a todo aquel que no jure con ellos lo perseguirán hasta hacerle lo de esta foto:


De ese modo todos podrán tener también una única neurona tambaleándose en un enorme cráneo hueco, una vez liberadas sus cabezas de toda esa pesada carga:  1300-1600 gramos de sesos. ¡Qué felices serán! ¡Al fin podrán unirse al selecto grupo de los que ya han abierto su mente!

¡Entre usted también en el siglo XXI!

Moderación de comentarios

He pasado a habilitar la moderación de comentarios, dada la reincidencia de un solo usuario en su actitud chulesca e insultante, que ha llegado a agotar mi paciencia.

Lamento las molestias que esta decisión pueda provocar. Hasta ahora ni me lo había planteado, pero llega un momento en que este hartista se harta del recurso a la mala educación, simplemente por la falta de argumentos de un usuario que no sabe llevar un debate adulto.

Intentaré mantenerme al día revisando los avisos en el correo, para que la publicación de vuestros comentarios se demore lo menos posible.

Actualización:
Tras una jornada entera con moderación activada, he decidido volver a abrir totalmente el blog. Al fin y al cabo las aguas han vuelto a su cauce, y siempre estoy a tiempo de volver a tomar esta medida. Gracias a todos por vuestro apoyo y comprensión.

Un retrato de mierda, o explicación sobre las reglas en arte

El arte post-teórico o arte oficial parte de una serie de dogmas de fe. Uno de los mitos más afianzados es que en el arte no existen reglas. Pero luego, resulta que no hay un marco más estrecho para la creación que el impuesto por los adalides del arte oficial. Según sus normas, sólo unos pocos elegidos entre nuestros contemporáneos son artistas y hacen arte. Todo lo que no sea instalación, videocreación, videoinstalación, performance, etc... es decir, que no pase el filtro de las reglas de la crítica oficial, es sólo artesanía. La única diferencia entre las normas artísticas y las normas de la curaduría (o caraduría, diría yo) es que las primeras son claras y fáciles de estudiar. Las segundas son uno de los grandes misterios contemporáneos, y sólo están al alcance de los iniciados.

Os traigo aquí un comentario sobre este tema que hice en el blog de un "experto" colombiano, que defiende este torpe retrato tan sólo porque en vez de pintura está pintado con caca:

Los primeros en afirmar ciertas reglas para el arte -reglas ni siquiera generadas por la práctica artística, sino por gente ajena a ella- son ustedes: para ustedes el arte "debe ser" de una determinada manera. Los artistas "deben ser" de una determinada manera, según unos
estrechos cauces: conceptualismo, muerte del arte, cambio de paradigma...
Reglas y más reglas que han llevado a la vanguardia a un suicidio quizá prematuro.

El realismo, en arte, no es necesariamente un realismo político. Tampoco significa lo mismo que en Historia del Arte. Realismo y naturalismo son sinónimos si hablamos de técnica artística. Le perdono, lógicamente, ese desconocimiento técnico en algo que no es su campo.Y repito: es evidente que la autora de este cuadro ha querido hacer una imagen mimética, una imagen realista o como usted quiera llamarla. Ya digo: podría haber pintado cualquier cosa, y eligió hacer una pintura de corte "clásico" o "pompier tradicional". Y como tal pintura, como retrato que imita a la realidad, lo juzgo bajo esas estrictas y CLARAS reglas. Las reglas, perdóneme usted, existen. Las reglas no limitan, sino que suponen un cauce, un apoyo para la creatividad. Todo juego, por divertido que sea, tiene unas reglas. No en vano Stravinsky, músico de vanguardia, decía "Quien se opone al apoyo se opone al movimiento".Es un mito pobre el pensar que el arte, o cualquier otra actividad, carece de reglas.

Yo podría responderle así:

ñlkasdñlsa ññlksadfñl lñksadlñk dsañllk,,dlk as lkdñl...

Es decir, saltándome las reglas de la escritura, de la mecanografía, y del idioma, pero entonces esta charla dejaría de ser interesante. Sería un absurdo galimatías que aburriría exactamente igual que cualquier otro absurdo galimatías sin sentido. Una frase de"ññlksdafasdf..." salpicada inesperadamente puede hacer gracia porque muestra en un momento el entramado de las normas del juego, que es transparente, invisible cuando jugamos dentro de él. Pero si toda la escritura fuera aleatoria, carente de reglas, hasta de las más mínimas, no habría diversión, ni comunicación.

Las reglas son una parte consustancial de cualquier juego, y de cualquier relación humana, también de todas y cada una de las actividades que llevamos a cabo. Hay reglas para escribir, para pintar, para hablar y hasta para cagar. Y cuando uno elige una actividad (por
ejemplo, pintar un retrato) elige también unas reglas muy concretas.

Lo repito:

"Cuando uno elige una actividad (por ejemplo, pintar un retrato) elige también unas reglas muy concretas."

Así pues, la habilidad o falta de ella para moverse dentro de esas reglas propias del juego elegido queda entonces patente. El buen jugador muestra imaginación, soltura y gana la partida. El malo, lógicamente, se muestra previsible, torpe y pierde.

Referencia por la que llegué a este blog, en Apuntes Críticos.

Humor y Arte

En la entrada anterior (que os recomiendo leer) sigue abierto un movido debate (que también os recomiendo leer), en el que ha surgido un gran tema: la relación entre el humor y el arte contemporáneo.

El Hartismo hace uso evidente del humor en sus manifestaciones. Desde el test "¿Eres Hartista?" hasta los pasatiempos del número 1 de la revista, pasando por el propio nombre de Hartismo, Harte Contemporáneo... todo está impregnado de humor, que es una de las formas más eficaces de llegar a la gente.

Creo que el humor está hoy muy presente en nuestra sociedad. Los anuncios de TV utilizan recursos humorísticos constantemente, el propio diseño gráfico juega con los signos...

Pero ¿el arte oficial? Aunque el arte oficial utiliza evidentes recursos humorísticos, como la ironía, los juegos de palabras, lo kitsch, los gags cinematográficos o teatrales... ¡está prohibido reírse! Si uno llega a una exposición de "arte contemporáneo" en la que a un busto romano auténtico se le han colocado orejas de Mickey Mouse, mientras en la sala suena una ópera desafinada, el primer impulso puede que sea la risa. Pero soltar una sonora carcajada está visto como una falta de respeto. Los asistentes a las inauguraciones pueden reírse de asuntos propios mientras charlan, o pueden mirar una "pieza" y murmurar "qué divertido", aunque inmediatamente hay que contrarrestar esa frase con alguna otra que demuestre que te lo tomas en serio, que no crees que sea un chiste: "inteligente, transgresor, irónico, comprometido..."

El arte oficial busca grandes salas, solemnes, asépticas y frías, vacías, en las que el humor moriría congelado. Su lenguaje es como una letanía, incomprensible y duro, y todo -hasta las risas grabadas de una "videocreación"- pretende ser serio, solemne. Fúnebre, diría yo.

No deja de ser curioso que los "artistas" oficiales se empeñen en hacer chistes cuando la risa no puede tener lugar en los templos del arte contemporáneo. La risa sería un fracaso, sería síntoma de que ha aparecido un público inculto, indeseable, que no comprende cuán trascendental es lo que se muestra.

La risa es un arranque de espontaneidad, algo sincero y natural. No sabe de poses. Pero claro, todo esto es ajeno al "arte contemporáneo" oficial, en el que todo es calculado, fingido, artificial y hace de la pose su bandera. El espíritu burlón de los primeros dadaístas se ha esfumado en los soporíferos discursos justificativos, en las aburridas salas y las estiradas poses de "artistas" y "expertos". El oficial es un "arte" que no celebra la vida, representada por la risa, sino el tedio, la frialdad, la muerte misma.

Para contrarrestar la indiferencia que sus productos provocan busca lo escatológico, lo macabro, las causas nobles o una supuesta transgresión. Pero la inexistencia de trabajo, de calidad, de arte en definitiva hace que nadie pueda sentir alguno de esos mensajes. No hace sentir nada, es incomprensible visualmente, un absurdo galimatías en el que el supuesto mensaje y la obra de dos "piezas" o incluso "artistas" diferentes es totalmente intercambiable.

Os animo a reíros de lo presuntuoso, ¡se queda uno tan a gusto!

Proyecto "Miradas Públicas"

Este es un texto aparecido hoy en la prensa local (Diario de Ferrol):

"Miradas Públicas acerca el arte de vanguardia a la calle

Redacción - Ferrol


Estos días se ha puesto en marcha una interesante iniciativa para artistas emergentes de nuestra ciudad, gracias al patrocinio de la Fundación Arte+Parte y el Concello de Ferrol.

"Miradas Públicas" utiliza las calles para buscar la complicidad del viandante. Arte contemporáneo al alcance del ciudadano de a pie en estos tiempos de crisis. Una iniciativa que aprovecha locales desocupados para ofrecer un escaparate "diferente".

Son las propuestas de siete artistas gallegos vinculados con nuestra ciudad: Antonio E., Bibiana Xun, Xabier Rosto, Almudena Collado, "Frasquiño", Pedro Olaviña y Jon Eduard.

Todas las intervenciones tienen en común el ambiguo juego con el espectador respecto a la naturaleza de la vitrina: ¿obra o negocio? Las piezas se cuestionan así el arte contemporáneo generando un debate en torno a la doble naturaleza del arte como producto cultural o pura especulación para el consumo. Para ello se presentan precisamente en lo que anteriormente fueron escaparates de negocios.

La pieza de Antonio E. simula ser un escaparate de lámparas de cualquier tienda de decoración. Muy cerca, Bibiana Xun utiliza neones y letras pegadas sobre el cristal del escaparate para jugar con el espectador, invitándolo a entrar a una inexistente oficina de la Xunta. Otras obras utilizan novedosos medios, como pantallas de vídeo, fluidos corporales, leds al final de cables colgados del techo o incluso fotografías médicas ampliadas de genitales masculinos y femeninos con enfermedades venéreas, que denuncian el uso de imágenes escabrosas para la venta de productos.

En siete calles céntricas ferrolanas pueden admirarse hasta finales de Marzo los trabajos de estos jóvenes talentos, seleccionados por el prestigioso comisario David Lama."

Os pongo aquí dos fotos -perdón, tuve que hacerlas con el móvil- de precisamente las dos obras mencionadas, que de no haber leído la noticia, me parecerían simples escaparates. ¡Ver para creer!

Por ahora no he visto las otras "obras" que menciona el periódico, pero
os puedo decir que desde luego, en el caso de estas dos, nadie se
enteraba de que era "arte".

Miedo me da pensar en eso de las fotos de genitales y los "fluidos corporales". ¡Maldita "transgresión"!

Una frase de Einstein

Desde que tengo el iGoogle personalizado, me estoy aficionando a las citas. Cada día descubro una nueva. Y últimamente, con esto del Hartismo, cada vez le encuentro más sentido a esta, de Albert Einstein:

"La teoría es asesinada tarde o temprano por la experiencia."

En nuestra época, el arte está en crisis gracias al poder que la teoría ha adquirido. Me explico: el arte académico y oficial son siempre post-teóricos. La teoría no se escribe tras ver el arte, sino que el arte ilustra una teoría previa. La teoría artística cada vez se ha ido haciendo más poderosa. De hecho, el valor que en los ámbitos oficiales se da a los artistas viene de la teoría precedente, del prestigio del crítico que haya avalado sus bases teóricas. En su borrachera de poder, los comisarios artísticos (curadores) han llegado ya a un punto en que pueden prescindir de los propios artistas (Bienal de Sao Paulo) o creen que son innecesarios. Es tal el poder otorgado a la teoría que un comisario o curador puede crear de la nada un artista o un movimiento artístico entero si esa es su voluntad. Compradores y "artistas" le harán el juego, en una relación de simbiosis a tres bandas, pero en la que el parásito se ha hecho imprescindible para el anfitrión.

El arte no alineado con este sistema, el arte que el Hartismo defiende, parte de un funcionamiento distinto. El tradicional: un artista pinta, esculpe, hace cine, etc... y el público lo disfruta o lo compra si puede/quiere. El crítico o el historiador escriben sobre ello. Para mí esto no sólo es tradicional, sino lo normal. El otro funcionamiento es a mi entender extraño, excepcional. En cualquier caso es típico de las burbujas económicas: el intermediario, el especulador, es quien domina, aunque el producto no tenga valor alguno, o lo tenga mucho menor.

En ese mundo en el que todo el valor del arte está en su contenido teórico añadido, los teóricos, los "expertos" son lógicamente quienes tienen la sartén por el mango. Su castillo es la Sacrosanta Teoría, que está rodeada de un halo impenetrable, gracias a una jerga especial difícilmente inteligible para los profanos. Este muro de palabras protege a una élite atrincherada en su fortaleza del público, de la masa, que echaría a perder el negocio.

Esta oligarquía de expertos provee a sus propios artistas y compradores del contenido teórico imprescindible para proteger su coto privado. El efecto de sus largas, espesas y prolijas parrafadas teóricas, que hacen uso de la semiótica, de la estética, la filosofía, o de la historia,
siempre con un lenguaje abstruso, sólo para iniciados, es que la gente de a pie no sabe qué contestar. Sienten que de algún modo les han tomado el pelo, pero como los vocablos y expresiones son impenetrables pero tienen apariencia culta y constantes menciones a autores extranjeros, pues es difícil llegar a discutir a ese nivel. A regañadientes la gente de a pie se retira del debate antes de comenzarlo. Básicamente lo mismo que debía ocurrir en la Grecia antigua hasta que Sócrates paró los pies a los Sofistas.

Aparentemente, combatir la teoría oficial de lo artístico lleva un considerable trabajo. Los sofismas artísticos se basan en lecturas sesgadas de filosofía, ciencia e historia. Toman elementos prestados de algunos autores de prestigio en ciertas épocas y ciertos campos, extendiendo el triste argumento de autoridad. Por ejemplo, si el mismísimo Hegel habló sobre la muerte del arte, pues hay que aceptarlo. Como decían los antiguos, magister dixit*.

Pero esta fortaleza es sólo aparente. Por ejemplo: Hegel es uno de tantos autores filosóficos de peso, y su opinión sobre el arte es sólo una opinión más, por bien fundamentada que pueda estar en el conjunto de sus escritos. El uso espúreo, fuera de tiempo y lugar, de esa opinión, es tan válido como usar a Nietzsche para justificar la matanza de prisioneros judíos. La filosofía indica sistemas de pensamiento, ideas, pero no hay uno más válido que otro, ni ninguno inevitable o definitivo por prestigioso que sea su autor. De ser así, la Filosofía hubiera terminado hace miles de años, cuando Platón y Aristóteles expresaron su pensamiento. Del mismo modo, la historia del arte recoge los hechos del arte. Pero se reescribe constantemente. Lo que los historiadores de hace 100 años decían del académico Cabanel no es lo mismo que se dice ahora.

Teniendo delante el enorme bloque teórico, construido con inversiones millonarias, que canta y alaba la muerte del arte, el cambio de paradigma y otros dogmas de fe semejantes, parecería que el arte efectivamente está acabado, y que su misma raíz está seca y estéril. Parecería que, a pesar de las esperanzas que uno albergue, es ya inútil dedicarse a pintar, y que en todo caso desde hace casi cien años ya no existe vida en el arte, ya no hay movimiento.

Pero como diría Galileo, "E pur si muove!"**. A poco que investiguemos veremos que, fuera de la aséptica teoría y sus grises frutos, que nos dejan indiferentes, la misma pintura florece cada vez más. Todos conocemos en nuestra ciudad algún pintor de talento, algún artista local que tiene una legión de seguidores y discípulos. Los artistas siguen vendiendo pintura, dibujo, grabado, fotografía, escultura. Sigue haciéndose cine amateur, las clases de pintura siguen llenas, con muy poco que viajemos veremos que en el resto de ciudades hay otros artistas igualmente buenos, con igual número de discípulos y seguidores. Internet nos muestra la obra de infinidad de artistas que no conocíamos y que hacen cosas que nada tienen que ver con camas deshechas sucias, condones tirados por el suelo o tiburones en formol. Cada vez que uno de esos artistas no alineados expone a lo grande, la gente hace cola para verlos. Velázquez, Goya, Picasso, siguen teniendo un enorme poder de convocatoria. Los hechos, pese a que son negados por la teoría, hablan de un momento de explosión, de gran vitalidad del arte "tradicional".

Al final, Einstein será profético: "La teoría es asesinada tarde o temprano por la experiencia."

Creo que, antes de lo que se espera, los artistas conceptuales irán al paro, o se dedicarán al marketing, que en el fondo es lo suyo. Y los teóricos tendrán que escribir nuevas teorías. Como ha sucedido siempre.

Al final, siempre llega un momento en el que el vuelo estratosférico de la teoría se termina, porque la tozuda realidad, mientras tanto, ha ido por otros caminos, más pegados a la tierra.

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NOTAS:

*Magister dixit: "El maestro lo dijo". Locución latina con la que se suele hacer mención a la falacia lógica también conocida como argumento de autoridad.

**E pur si muove!: "Y sin embargo se mueve". Frase supuestamente murmurada por Galileo Galilei luego de abjurar ante la Santa Inquisición de su descubrimiento de que en realidad era la Tierra la que giraba en torno al Sol y no al revés.

Un blog de lo más recomendable

Hoy he conocido el blog de Avelina Lésper, crítica de arte mexicana, que nos ha contactado, colaborará a partir del siguiente número de "HARTE contemporáneo", y ya forma parte del colectivo Hartista.

He leído con atención varias entradas de su blog, y es una pasada. Muy bien hilado y redactado. Saca temas que han sido tema de conversación muchas veces entre nosotros, Carmen, Mariano y yo, y lo expresa concisa y claramente, y con gracia. Un blog de gran calidad, sobre todo.

En este blog están expresadas con sencillez ideas que a mí me son muy difíciles de expresar aunque me vengan rondando desde hace años. Pero dejo de intentar explicarlo, mejor os paso el enlace:
http://avelinalesper.blogspot.com/

Y también el enlace a algunos de sus artículos, que ya he leído:
La atrofia del arte

Asesinar al performance

Eres invencible

El dibujo

Genial Tonisavski (2)

Hoy apareció esta viñeta en el Diario de Ferrol, de nuevo del genial Tonisavski:


Aunque por desgracia, con este tema no tiene uno muchas ganas de reirse, por buena que sea la viñeta.

Nº1 de la Revista del Hartismo, esta Noche de Reyes

Estos días no he podido actualizar este blog como quisiera, aunque supongo que tampoco habrá habido tantas visitas como en otras fechas.

Además de todo lo de las fiestas, he estado ocupado con la Revista Hartista (HARTE contemporáneo), añadiéndole ocho páginas que faltaban, entre ellas un artículo sobre Carmen Martín y su Pintura en Acción, que inaugurará la sección "Artistas con H".

Creo que os va a gustar, Mariano Casas ha hecho un gran trabajo, recopilando, organizando, redactando y maquetando la revista, que cuenta con ¡64 páginas!.

Se ha reforzado la parte humorística, y este primer número incluye numerosas colaboraciones de hartistas de todo el planeta y textos escogidos de no-hartistas pero afines.

La revista será publicada en PDF en la Noche de Reyes. ¡Es nuestro regalo!

Actualización: ya está, aquí.

Nueva actualización: la revista se menciona hoy 6 de Enero en:

• Diario La Opinión de A Coruña
• Culturagalega.org
• Arte de Galicia
  
• Días del Futuro Pasado (blog)
• Iniciarte (blog)