Hoy no están de moda los manifiestos. La vanguardia histórica los usó habitualmente. Pero curiosamente, en la época del supuesto triunfo de la libertad artística en todos los frentes, al fin y al cabo la Era de la Vanguardia Permanente, no está bien visto escribir manifiestos, ni leerlos. Están tan acabados como la Mirinda, como el Naranjito o la pintura de tema histórico.Pero es triste. El manifiesto explica los principios e intenciones de un grupo, sus inquietudes, sus quejas y anhelos. Cuando los grupos artísticos eran cosa de los artistas, el manifiesto era casi una necesidad. Era como la carta de presentación, como los estatutos de su sociedad.
Aunque claro, quizá en realidad el arte que exponen nuestras galerías, nuestras fundaciones bancarias, nuestras ferias y museos de arte contemporáneo está muerto. Sus artistas no se quejan ni anhelan y la galería, el marchante o el museo no se van a poner a crearles manifiestos, ni a publicárselos.¿Para qué anunciar en un manifiesto algo que quizá no salga adelante? ¿Cómo dejar en manos de los artistas, esa chusma, la responsabilidad de crear un movimiento artístico? Es mucho más eficiente sacar un catálogo, en el que se presenta un supuesto grupo revolucionario a posteriori, cuando ya ha dado tiempo a escribir una explicación razonada, a buscar una manera de encajarlo con lo que ya existe y más conviene, a montar una muestra de presentación, a contactar con los compradores. Es más seguro, y queda mucho más fino.
Pues bien. A sabiendas de todo esto, a pesar de que no está de moda, y de que nos llamarán cutres y pringaos, hoy, a las 12 de la noche, nosotros, los Hartistas, publicaremos nuestro Manifiesto, el Manifiesto Hartista, y como reza el textito en Arte Anti-Anti-Arte, blog del Hartismo:...Y los practicantes del antiguo oficio volverán, con sus pinceles y manchando todo de pintura. La Belleza llenará vuestras calles... ¡Temblad, temblad, adoradores de mierda enlatada, porque cuando el Antiwarhol llegue, habrá llanto y rechinar de dientes!
El Manifiesto Hartista se puede leer aquí:
www.hartismo.com/manifiesto.html
y se puede descargar aquí:
www.hartismo.com/descargas/manifiesto_hartista.pdf
Y lo presentaremos públicamente el próximo día 17 de Octubre en Santiago de Compostela, en el Centro Sociocultural "O Ensanche", en c/Frey Rosendo Salvado, 14-16 bajo, a 50 metros de la Plaza Roja.
El 
Para disolver el óleo en sus primeras fases, se utiliza tradicionalmente aguarrás. El aguarrás también sirve para limpiar los pinceles, y aunque no se debería, también las manos. Para estos usos, incluido disolver pintura, tanto da que el aguarrás sea barato, comprado en los chinos o el "Todo a 100", como que sea "esencia de trementina rectificada y purísima te lo juro por Snoopy". Vale exactamente igual. La única diferencia entre el aguarrás vulgar y la esencia de trementina rectificada y purísima te lo juro por Snoopy es que la primera no llega a tres euros por litro y la otra cuesta 4,85 € por cada botellita de 125 ml.
De hecho, para disolver óleo o limpiar pinceles -pero también para disolver óleo, insisto- valdría incluso ¡gasolina!. No le afectaría en absoluto a la estabilidad de la pintura a largo plazo. El problema con la gasolina es el olor, la toxicidad, la inflamabilidad...
Se llama 
Lo que no deja de sorprenderme es hasta qué punto hay ortodoxia estúpida con esto del aguarrás. Recuerdo en una ferretería, hace años, que el tendero se indignó violentamente cuando le pedí sustituto de aguarrás... "¡aquí sólo tenemos aguarrás de verdad!", me gritó. Esa mentalidad está firmemente incrustada en la mente de la mayoría de la gente.
Los pintores de brocha gorda raras veces compran símil de aguarrás. Siempre aguarrás, aunque, en su profesión hay otra ortodoxia estúpida: algunos utilizan siempre disolvente universal, que es un producto caro y peligroso, exageradamente potente -es un quitapinturas- que disuelve el aglutinante en vez de sólo diluir. Pero es que además de esto, el disolvente universal, que contiene hidrocarburos aromáticos como tolueno o xileno, es tóxico, inflamable, irritante...
Los aficionados al óleo siempre tienen su botellita de "Esencia de Trementina Rectificada", marca Titán. No sé por qué, pero esa botellita cuadrada está en todos los maletines -otra ortodoxia- de pintura, junto a su botellita gemela de aceite de linaza, que es otra ortodoxia aún más estúpida. Lo curioso de los pintores aficionados no es ya que piensen que el white spirit no vale para el óleo: es que piensan que el aguarrás verdadero debe ser sólo el de las botellitas pequeñas y caras, porque el de a litro del supermercado o la ferretería de la esquina, a la fuerza debe ser peor. Intenta tú convencerlos de lo contrario, y te mirarán por encima del hombro, como a un ser inferior y despreciable, mientras mascullan entre dientes "¡Bellas Artes, puah!".
Yo nunca entenderé las ganas que tiene tanta gente de gastar dinero de más en versiones más caras de los productos, con las que nunca notarán diferencia alguna respecto a las baratas. A la gente le parece que es "serio" seguir estas normas de ortodoxia (estúpidas) cuyo origen desconocen y que no tienen sentido técnico alguno. Como única medida de lucha contra esta invasión, en nuestra tienda nunca tuvimos botellitas de "esencia de trementina rectificada...", para mí es una cuestión de ética.
Ahora ya tengo el trabajo bien encaminado y espero poder terminar pronto. Lo cierto es que me lo estoy pasando bien.
Si hay algo que me fastidia en cuanto a las técnicas pictóricas -pero aplicable a todos los campos técnicos- son las ortodoxias estúpidas. Ese tipo de ortodoxias que se transmiten de generación en generación sin que nadie se las replantee, sin que nadie experimente si el método usual es realmente mejor que sus alternativas.
El barniz es una protección muy conveniente. Cuando un objeto está en el mismo sitio durante mucho tiempo acaba llenándose de polvo, grasa, humo... lo que científicamente se conoce como "roña". Si el cuadro está sin barnizar, todo eso se incrusta sin remedio en la capa pictórica, y luego resulta muy difícil de limpiar. Pero si el cuadro está barnizado, recoge menos roña y la que se pega lo hace al barniz, no a la pintura. Un barniz sucio puede retirarse fácilmente y luego se pone de nuevo un barniz limpio.
Los barnices mates se empezaron a usar justo cuando se empezó a iluminar la pintura con luz eléctrica. La luz eléctrica, a diferencia de la natural, está concentrada en un punto, y produce multitud de reflejos en todas las direcciones, y más en un cuadro, que tiene una superficie irregular. Antiguamente se usaban barnices como el Dammar, que dan una superficie noble y con un brillo cristalino. El barniz destacaba los tonos dándoles profundidad. Es cierto que en algunas épocas se ennegrecían o amarilleaban a propósito los barnices para darles "tono antiguo", pero el barniz de Dammar puro da un brillo uniforme y muy agradable. Como los cuadros antes se iluminaban con luz natural, siempre se veían las figuras y tonos del cuadro, por muy ennegrecido que estuviese. Y aunque el barniz brillara, no molestaba mucho, porque los rayos del sol son paralelos y vienen siempre de arriba.
En Restauración se usan siempre barnices mates, porque los museos casi siempre tienen luz artificial. Pero lo triste es que el restaurador no sea consciente de por qué elige el barniz mate. Simplemente usa barniz mate y punto, y no se te ocurra discutirlo. Da igual que el cuadro tuviese antes un elaborado barniz de Dammar dorado. Siempre barniz mate. Los cuadros pierden ese encanto de lo viejo, en aras de evitar reflejos. Y aún peor, gente que no sabe siquiera por qué se usa el barniz mate, y que cree que sólo es cuestión de moda, discutirán hasta el infinito -y más allá- que el barniz mate es mejor que el brillante.
A mí me gusta mucho cómo quedan los cuadros con barnices brillantes. Es cierto que son mejores los barnices antiguos, como el Dammar, porque los modernos están hechos de resina acrílica, que aunque muy transparente y estable, da un brillo "plasticoso" que resulta feo. Pero ya digo, hasta en ese caso, me gustan mucho más. Proporcionan más contraste a los colores, los encienden. Cuando puedo pinto algún cuadro que luego cubro bien de barniz brillante, sólo por rebeldía. Alguna vez, como con el cuadrito de la calavera que mencioné en mi post 
Por el contrario, aunque evidentemente hay una crisis económica que dificulta algo las ventas, la pintura vive un momento feliz, de recuperación de terreno. Internet y el hartazgo general de transgresión y modernidad, han provocado que la gente se interese cada vez más por la pintura viva, la que se hace en su entorno y fuera de él. Artistas como Freud o Antonio López empiezan a ser conocidos por el público, y cuando las instituciones organizan exposiciones de pintura importantes, de calidad, la afluencia de visitantes es impresionante. La exposición sobre el Retrato Español en Coruña actualmente, o la de Sorolla y sus contemporáneos hace unos meses, ambas organizadas por Caixa Galicia, son buena muestra de ello.
Entonces, claro, la gente empezó a plantearse si en realidad un cuadro no es más válido como arte que una lata llena de caca. Porque si antes concebían nebulosamente el arte contemporáneo como algo extravagante pero en el fondo aceptable y uniformemente asumido por los artistas, ahora sabían exactamente a qué se está llamando "arte contemporáneo" y quién y cómo lo maneja. Hasta comenzaban a sospechar que no a todo el mundo le convencía, cosa que los 
Pero si hay algo en lo que todo el mundo está de acuerdo es en que saben cuáles son los cuadros más "vendibles", más "comerciales".
Por otra parte, no es fácil saber qué cuadro le gustará a cada persona. Hay un gusto diferente en cada cliente, pero también hay varios tipos de clientes:
El que busca un cuadro que le combine. Otros buscan un cuadro de unas medidas, de unos colores o de un tema "que les cuadre" en tal o cual habitación. Aunque parece algo frívolo, no dejan de tener razón: algunos cuadros quedan estupendos en una determinada pared y otros espantosos. Evidentemente, Carmen o yo antes cambiaríamos el color de la pared para que combinara con un cuadro que nos gusta, pero no todo el mundo piensa así. Lo cierto es que muchos de los mejores cuadros de la historia del Arte se han pintado para decorar estancias. De todos modos, estos suelen ser clientes a los que les gusta nuestra pintura, y escogen el cuadro adecuado dentro de nuestro estilo. Además uno se lleva sorpresas con ellos, porque suelen apreciar de verdad nuestros cuadros, y vuelven año tras año.
El que encarga. Se podrían dividir en quisquillosos o conformistas.
Pero por mucho que uno llegue a entender y confraternizar con un cliente, si algo queda claro es que uno es incapaz de averiguar qué une en su cerebro a los cuadros que le gustan a cada uno. Nada, ni el tema, ni el tamaño, ni el colorido, la técnica... uno es incapaz de adivinar por qué a un cliente le gustan unos determinados cuadros y otros no. Para nosotros esto es lo más misterioso, inabarcable, sorprendente.
Hay unos pocos cuadros que gustan a todo el mundo. Quizá no todo el mundo se los compraría, pero gustan. Se podría decir que son nuestros "clásicos". Cuadros en los que quizá uno encontró felizmente la armonía, la redondez... Con los pintores clásicos, archiconocidos, esos suelen quedar como sus obras maestras. Pero en su conjunto, estoy seguro de que hasta ellos tuvieron sorpresas con sus clientes, al ver que justo lo que unos apreciaban otros lo aborrecían. Con el paso de los siglos todos acabamos reconociendo únicamente algunos de sus cuadros, y esto puede que nos influya para preferirlos sobre el resto de su obra. Pero estoy seguro de que si visitásemos el estudio de Monet o el de El Greco, Velázquez... en su época, cada uno elegiría según sus gustos, y apenas coincidiríamos unos con otros.
La empecé el 27 de mayo de 2008 (siempre les hago una portada donde pongo la fecha de inicio). Ya la he llevado a muchos sitios, y suelo dibujar en ella con bolígrafo, lápiz, rotuladores, pluma, ceras, acrílicos... según lo que tenga a mano.
Aquí podéis ver una 
Como todos sabéis, pues no lo he dicho pocas veces, soy un amante del dibujo. Practico esta arte desde que tengo conciencia, y ayudo, en mis clases, a iniciarse en ella a gente de todas las edades y procedencias. Me apasiona dibujar. Muchos de mis amigos comparten esta pasión. Recientemente me he llevado la alegría de ver que esta pasión prende todavía en gente nueva, y que a poco que uno escarbe en Internet se encuentran dibujantes apasionados, bien en el estilo de ilustración, como 
Lo que me sigue sorprendiendo es que haya mucha gente que sigue pensando que un buen dibujo es el que reproduce de manera exacta una fotografía, entendiendo por manera exacta cosas como que la cara sonriente tenga todos sus dientes. 
El hiperrealismo -para mí uno de las más tristes invenciones que el neodadaísmo nos ha traído- ha convertido la pintura en una descripción píxel a píxel de superficies. No existe emoción, no existe maestría ni oficio: sólo traducción de píxeles originales a milímetros cuadrados de superficie pintada. Las técnicas, hoy muy avanzadas, de proyección, evitan tener siquiera que trazar una cuadrícula para poder ejecutar una copia fiel de una imagen fotográfica en papel o lienzo. 
¿Cómo se podría expresar correctamente la furia del acantilado con el mar batiendo sobre las peñas, a cincuenta metros por debajo de nosotros, si no estamos 
Cuando empezaba en esto, miraba con reverencia el arte del pasado, creyendo que nosotros nos encontrábamos en una época pobre, incapaz de llegar a sus logros. Por supuesto, en algunas cosas envidio todavía a las generaciones de otros siglos. Pero hay algo que sí ha mejorado. Nosotros -en este caso hago referencia a gente como mi mujer y yo, como Freud o Hockney... utilizamos el dibujo para cada parte del proceso. Si hemos de dibujar un caballo, no dudamos en visitar un picadero y abocetar allí mismo. En el siglo XVIII se copiaban muchas veces láminas de libros, poca gente se iba a los sitios a pintar la realidad. Y si lo hacía, aún así los modelos establecidos pesaban en el resultado mucho más que ahora (ver "
Si de algo podemos sentirnos orgullosos es de que aplicamos el método renacentista -describir el mundo a través del dibujo- combinándolo con la costumbre del plen air impresionista, dibujando todo tal como nuestros ojos lo ven, y en vivo, sin estar atados por convenciones. Evidentemente construir representaciones sin tener modelos previos claros es más difícil, pero también permite jugar con una versatilidad y variedad virtualmente infinitas. Del mismo modo que un adulto suele dibujar tal como el niño que era antes de dejar de dibujar, nuestro dibujo se encuentra en un momento muy semejante a los años 1920, cuando el dibujo empezó a dejar de ser venerado.
Dibujar es trabajar los cuadros, desde la misma idea de la composición, expresada vagamente en unas líneas sobre el papel, hasta el contorno idóneo encontrado tras muchas pruebas o un feliz momento de dominio súbito, y hasta es dibujo la dirección de los trazos, de las propias pinceladas, el amor por el detalle, el planteamiento de los contrastes cromáticos y de tonos... 
En los cuadros hiperrealistas raras veces encontramos más que meticulosidad, en realidad fruto del azar, porque en la reproducción ordenada de las filas de píxeles de una imagen, no hay una inteligencia ordenadora: cada tono más o menos oscuro, más o menos rojo o verde, amarillo, azul, marrón, se va sucediendo sin una imagen mental de conjunto que anime la composición. La reproducción de fotografías, es, por definición, totalmente secuencial, y no espacial, por ser precisamente mecánica y no generada por la mente del artista. 
En cambio, en la reproducción realista de un modelo de carne y hueso, muchos procesos mentales ordenan la percepción, buscando jerarquías, modelos repetitivos, patrones... además el modelo se mueve, nos habla, la luz vibra... por lo que a la pura imagen que vemos y el cuadro que tenemos en mente se le añade una vivencia del momento, sentimientos, percepciones nuevas no previstas...
El resultado de copiar una foto o copiar del natural es radical y absolutamente diferente, pese a que el lenguaje nos obligue a utilizar la palabra "copiar" en ambos casos. Pero en el primero, reproducimos mecánicamente una superficie plana en otra superficie igualmente plana, mientras que en el segundo caso creamos una obra bidimensional original, nueva, partiendo de un referente tridimensional real.
Quizá uno de los primeros pasos para entender qué es el dibujo consista en comparar los dibujos de Leonardo con los que